Y llegó el momento más esperado: tras compartir nuestros tops relacionados con EPs y bandas emergentes del año, desde Binaural nos lanzamos a la piscina publicando la selección de los que para nosotros son los mejores discos de 2021. Decenas de dolorosos descartes son los las que hemos tenido que realizar para cerrar una lista formada por 50 álbumes diferentes, entre los que identificamos tanto propuestas internacionales como algunas otras materializadas dentro de nuestras fronteras.
Además de poder ser reseñados individualmente en este artículo, los 50 álbumes que componen esta selección se pueden escuchar de principio a fin en una playlist completa para Spotify que hemos subido a nuestra cuenta oficial. La lista de los mejores álbumes de 2021, aquí:
50 - PUMA BLUE - EN ELOGIO DE LAS SOMBRAS
Japón, dormitorio acogedor en el piso 30, lluvia nocturna y mirada desde la ventana hacia un punto impreciso. Tengo la sensación de que estoy visualizando a Jacob Allen, alias Puma Blue, mientras compongo “In Praise of Shadows”, la sinfonía de un hermoso y poético álbum debut como Toquio blues. Murakami no ha tenido nada que ver con eso, pero Jun'ichiro Tanizaki, un autor japonés cuyo trabajo influyó directamente en la idea de este disco: un abrazo a las sombras. Remarcable es el trabajo por sus precedentes, singles tan buenos que ni siquiera sabías de baja fidelidad y que ahora le dan aún más valor a un elaborado sonido que sirve a su vulnerable voz como colcha. Sobre los tempos de algunos The XX y la melatonina de otros RHYE, el artista inglés acompaña en 14 hermosas canciones un baile pop que brilla sobre todo cuando saca el saxo a pasear. Más allá de lo bien que esté el disco, cabe destacar que no importa cómo llueva, Puma Blue no se come la tristeza. Un disco 'Super Soft' que destaca sin sensacionalismo. [Màrius Riba]
49 - LANA DEL REY - BANISTERS AZULES
Este año, Lana del Rey sorprendió a todos con dos álbumes con apenas meses de diferencia, "Chemtrails over the Country Club" y "Blue Banisters". Pero si tenemos que quedarnos con uno, no puede ser otro que 'Blue Banisters'. Sin llegar a ser tan brillante como "Norman Fuckin Rockwell", "Blue Banisters" consigue crear una narrativa propia con un sonido mucho más íntimo, enraizado en el folk americano y ahondando en ese universo que ya se nos ha presentado en otras ocasiones.
"Blue Banisters" parece una respuesta a esas preguntas, propias o externas, que han acompañado a Lana del Rey desde sus inicios. En cierto modo, se siente como un cierre de escenario. En el musical encontramos sorpresas como los toques dreampop de 'Arcadia', el desgarrador diálogo con Miles Kane en 'Dealer' o los juegos de intensidad en la sincera 'Beautiful'. 'Blue Banisters' revela nuevos registros vocales de Lana Del Rey, totalmente sin pretensiones (no podemos ignorar que muchas de las canciones son descartes anteriores). [Montse Galeano]
48 - ENTRE EL ENTERRADO Y YO - COLORES II
No hay banda que actúe al nivel de los norteamericanos Between the Buried and Me. Esa es una afirmación tan rotunda como cierta. Es arriesgado volver al concepto de su magna Colors para intentar seguirlo con una segunda parte. Normalmente tienes que pensar que las segundas partes no son buenas ... no para ellos. Un disco perfecto, y ya hay muchos. Un disco para disfrutar de principio a fin, para dejarse llevar. Sin duda, álbum del año para un servidor. [Beto Lagarda]
El segundo disco de Sega Bodega (Salvador Navarrete, Irlanda) fue una de las sorpresas de este 2021. Entre el pop alienígena de Arca (con el que colabora) y el rave más comercial a la Charli XCX, este disco es la confirmación de su autor como uno de los productores más interesantes de la actualidad. Un disco "conceptual" en el que se narra la relación entre la cantante y una novia hecha de luz, "Romeo" es también la confirmación del sello NUXXE, que ya ha contado con Shygirl y del que Navarrete es cocreador. Rompimientos, ritmos llenos de tonos sorprendentes, colaboraciones estelares (además de Gershi está Charlotte Gainsbourg) ... Un trabajo que puede haber pasado desapercibido, pero que en el futuro será reconocido como uno de los más relevantes del año. [Miguel Pardo]
La primera impresión que uno recibe al escuchar el nuevo trabajo de The Weather Station es el toque auditivo de una lujuria musical sedosa. Donde antaño descansaba un folk enérgico pero no muy ornamentado, ahora un torbellino de vientos, cuerdas, teclados y guitarras al servicio, sí, de la voz aterciopelada de Tamara Lindeman, pero sobre todo de la belleza del propio conjunto. Esa deliciosa sensación no se desvanece en ningún momento al escuchar 'Ignorance', un disco en el que la fragilidad de la duda se materializa en decenas de preguntas, que cobran fuerza cuando se verbalizan bajo la protección de su tierno, comprensivo y amoroso ejército instrumental, así encontrar la confianza para creer en una posibilidad de cambio personal y universal. [Pau Ortiz]
45 - CHRISTIAN LÖFFLER - PARALELOS: SHELLAC REWORKS
Dijo que quien se olvida de los maestros está destinado a la mediocridad y al disgusto artístico. Este no será el caso de Christian Löffler, campeón de la electrónica contemplativa, que por gracia divina ha sabido hacer uso de los archivos de discos shellac de Deutsche Grammophon (algunos de hasta 120 años) y hacernos partícipes de su exquisita relectura. A partir de grabaciones celestiales de titanes como Bach, Beethoven, Chopin o Smetana, el productor alemán glosa, complementa y articula un discurso musical con sintetizadores etéreos y ritmos suaves, sabiendo dar espacio a las piezas originales en su pureza (el no intervencionista fragmento en 'Moldau' pone la piel de gallina) y expandir su universo con respeto, admiración y sobre todo un criterio visionario (el excourse clubber de 'Funebre' debería cerrar la rave del fin del mundo). [Pau Ortiz]
44 - ANGEL STANICH - BATTIATO EN POLVO
La etiqueta de artista de culto lo ha superado durante mucho tiempo, aunque siempre pertenecerá a esa categoría. Si uno asiste a uno de sus conciertos actuales, no podrá menos que enloquecer con la vehemencia y devoción de sus fieles, y es difícil imaginar cómo un local no podría desbordarse si esta persona fuera realmente conocida entre las masas. Hasta el día de hoy, la colección de canciones que Ángel Stanich acumulaba a sus espaldas ya era enorme, pero con "Polvo de Battiato" el arsenal se le escapa por completo. Desde éxitos auténticos como 'Idiot King' o 'Nazario', dignos de vivir en directo, en serio, hasta piezas más contemplativas como 'La Mecha', 'Dos Boy Scouts de Mierda' o 'El Arriero, Pt. 2 '; el disco es una maravilla ácida, sarcástica, sensual, inteligente y tremendamente hermosa; Todo de una vez. Un artista único, con una fórmula inimitable, que no para de hacer canciones espectaculares, y que además ha sabido reunir a su alrededor una banda espectacular (la baterista Lete Moreno, el guitarrista Víctor Pescador, el bajista Álex Izquierdo y el tecladista Jave Ryjlen) con un ritmo muy difícil. Nivel a la altura del panorama español. Su reivindicación y valor como patrimonio musical nacional es muy necesaria. [Dani Vega]
Después de cuatro álbumes de estudio, The Armed han logrado consolidarse como uno de los artistas más en forma del momento. Su mezcla de mathcore, ruido y hardcore punk ha alcanzado su punto máximo con "Ultra Pop". Un disco punzante y corrosivo, un ruido totalmente adictivo. Guitarras chirriantes que se mezclan con soltura y dignidad con voces guturales o limpias, ofreciendo siempre el mejor impacto para el oyente. Ultra Pop es un álbum muy agradable. [Beto Lagarda]
42 - LIMPIEZA EN SECO - NUEVA PIERNA LARGA
«La profesión de poeta no tiene mucha demanda, pero quien sea, no necesita que le busquen trabajo. Podríamos decirle esto a gente como Javier Ibarra, acérrimo defensor de su letra vulgar; fue con ella que el público lo aclamó. O Kate Tempest, una poeta, pero en realidad, hizo de la palabra hablada un arte nuevo y, en este caso, diferente al que habíamos aprendido en Inglaterra con Michael Skinner (The Streets). Con Dry Cleaning, un cuarteto del sur de Londres, se intuyó una corriente como esta, y cuando digo así, me refiero a una corriente diferente que sale a borbotones. Los EP lanzados en 2019 ya fueron una revelación: si componer letras en un bolígrafo volador y cantar con mononucleosis fue suficiente, entonces para qué tocar algo. "New Long Leg" abre las cerraduras aún más para que lo que podría haber sido un flujo genial, ahora sea un canal de estilo brutal. "[Màrius Riba] Reseña de« New Long Leg ».
Tarta Relena está llena. En el último año más o menos les hemos visto presentar una muy bonita reedición de sus primeros trabajos, consolidar su presencia ante una buena variedad de público, participar en proyectos más excepcionales (¡ser parte de la transmegacobla de Za! Y el nuevo directo de María. Arnal i Marcel Bagés, entre otros) y, sobre todo, dándonos la maravilla que es 'Fiat Lux'. La arqueología a capella de Marta y Helena suma esta vez una mayor dedicación a las atmósferas, complementos y modulaciones vocales, proporcionando un perfecto contrapunto a la materia de partida. Es un placer ver cómo propuestas musicales tan especiales se consolidan a fuerza de un trabajo impecable, y no podemos hacer más que sentirnos afortunados de coincidir tiempo-espacio con su talento. [Pau Ortiz]
«'Spiral' es otra forma de concebir y exprimir las herramientas más interesantes de Darkside, una especie de música vaquera cósmica, o un Sergio Leone puesto en peyote en la nave espacial de Richard Branson. Y por desalentador que parezca, la verdad es que es un álbum que prueba y revitaliza la armonía entre Harrington y Jaar. ¿Puedes pedir algo más? Seguro. Pero desde la perspectiva del propio Nicolás, de hecho, no. Esta cesura de caer en un espacio tan accesible, divertido y fogoso como es "Spiral", es un pequeño caramelo del que, como ya intuimos o anunciamos ... Es uno de los artistas electrónicos más relevantes de la actualidad y uno de los más consistente de la última década. ¡Así que vamos, que se joda! Para mover el esqueleto. "[Miguel Pardo] Reseña de« Espiral «.
Los franceses más internacionales del mundo del metal regresan con "Fortitude", un disco que agranda la leyenda. La banda de los hermanos Duplantier se mantiene firme en su intención de ser una de las formaciones que desbanque a los habituales dinosaurios.
"Fortitude" es un disco intenso y complejo, un disco con ganchos y canciones que necesitan madurar y analizarse en el tiempo. No son directos ni ágiles, pero son fieles a una propuesta que los convierte en una de las bandas más intensas y originales del panorama extremo actual. Gojira sabe que pueden ser los mejores y están abriendo un camino elevado hacia la cima. Los franceses tienen un sonido único y es ahí donde reside el 99% de su valor añadido intrínseco. [Beto Lagarda]
«En“ Seek Shelter ”cada canción suena de su padre y de su madre a un nuevo punto en la discografía de Iceage, y eso en algunos casos haría frustrante escucharla. De todos modos, este defecto es, como siempre, también interpretable como una virtud. Lo último de Iceage seguramente es más amigable con la masiva y consoladora pretensión del pop que cualquier otra cosa que hayan hecho antes. Para expresar un mayor abanico de emociones (la necesidad de cuidados, la neurosis de la discriminación por edad, la redención romántica, el desconcierto ante la realidad, la desconfianza en la información ...) hay que arriesgarse a “perderse”. [Miguel Pardo] Reseña de «Buscar refugio».
Frío, parkineo y después. Toda la noche, vamos. Los Vs con Turboviolence han ido un paso más allá que con Escama y te sirven directamente de patada en el pecho. Como si algunos puestos de velocidad primigenios en la ruta de Bakalao hubieran tenido un hijo parlanchín. Sintetizadores machineros, voces lúgubres sin futuro a la vista y bajos desgarradores. El nihilismo se volvió delirio. [Sergi Cuxart [
El miedo y la asfixia pura se adentran en "Hey What", una obra en la que Low logra llevar su suerte de una mezcla de psicodelia, krautrock y shoegaze a un nuevo púlpito narrativo. El espectro sonoro de Duluth se ha expandido aún más que en el pasado: fallos, voces cibernéticas, retrasos granulares y elementos rotos por modulación cobran protagonismo en el mejor LP continente visto hasta la fecha por Alan Sparhawk y Mimi Parker. . Para 2021 ya está claro: donde hay aburrimiento, hay alegría creativa para Low. [Quim Atencia]
35 - DAVE - ESTAMOS TODOS SOLOS EN ESTO JUNTOS
“Si bien los hits bailables han pasado a un segundo plano en esta ocasión, el derroche técnico que estamos contemplando no vale la pena mencionarlo por menos. Juegos de tonalidades románticas y tensas que nos recuerdan lo mejor del 'Black', temas con longitudes inusuales, o una exhibición de géneros que oscilan entre el grime, el dancehall, el gospel o el soul son solo algunas de las pruebas. irrefutable por lo cual es indiscutible mencionar que este disco logra plasmar las múltiples dimensiones que Dave puede ofrecer. Sirva 'Estamos todos solos en esto juntos' para renovar sus votos y mostrarnos cómo sus letras devastadoramente conmovedoras nos recuerdan por qué es actualmente uno de los artistas callejeros más buscados de Gran Bretaña. "[Fran González] Reseña de" Estamos todos solos en esto juntos ".
Quizás el disco más accesible de Amenra y no es nada fácil, siendo este su primer LP íntegramente en holandés. Por suerte los riffacos se entienden internacionalmente y solo necesitas escuchar -y sentir, obviamente- las primeras notas para saber que después de De Doorn vas a terminar destrozado. Desde pasajes ambientales de pura melancolía hasta desgarradores truenos de guitarra y afinaciones graves directamente del inframundo. [Sergi Cuxart]
A pesar de que con "Esguince de tobillo" reveló algunas cartas de su baraja, Julien Baker no terminó de redondear la propuesta de su sonido hasta el aterrizaje de su segundo largometraje ("Apaga las luces"). Ahora, en 2021 y con algunas experiencias ya guardadas en su mochila, la cantautora modela su propuesta más épica vista hasta la fecha gracias a "Little Oblivions", un disco con una estética puramente Strymon refinada en la que la artista detalla demonios internos, y diversas convicciones, mientras da un intenso paseo por la estratosfera. Punto culminante de la obra: 'Faith Healer', en la que coros angelicales, coros modulares y muy finas líneas de guitarra acaban fundidos en uno de los abrazos más sentidos de los ofrecidos hasta la fecha por Germantown's. [Pablo Porcar]
Si su primer trabajo ya nos atrapó en el melodrama adolescente con guitarras inspiradas en el rock alternativo de los noventa, Snail Mail regresa con una segunda parte aún más amena. Como continuación lógica de 'Pristine', Valentine es esa mirada más madura, irónica y tímida del amor, sin miedo a incorporar nuevas capas musicales o llevar la hibridación del género a un nuevo nivel. Así nos encontramos con 'Ben Franklin', una canción más pop mucho más oscura de lo que estábamos acostumbrados, la reinterpretación agridulce del clásico de los ochenta 'You and I' en 'Forever Sailing' dando un vuelco total a su significado o al epónimo 'Valentine' , una canción que muestra la madurez lírica y musical de Lindsay Jordan.
Pero el corazón de "Valentine" se encuentra en los miedos, vivencias y angustias de Lindsay Jordan en los últimos años, nada fácil a nivel personal. "Valentine" abraza fuertemente su propia vulnerabilidad, con la honestidad radical que desde 2019 la ha posicionado como una de las nuevas voces más interesantes del género. [Montse Galeano]
31 - ARLO PARKS - COLAPSADO EN RAYOS DE SOL
Neo soul revitalizado, recontextualizado y sazonado con especies de delicada palabra hablada. Así es como podríamos definir a grandes rasgos "Collapsed In Sunbeams", un disco que ha catapultado a Arlo Parks a la fama. Las reverberaciones con algo de color dan vida a un compendio muy accesible, envuelto en una lámina de oro, que toma los cimientos de lo hilado por Amy Winehouse, y lo baña todo con un aroma refrescante y jovial. Desde 'Black Dog' con base Snail Mail, hasta 'Portra 400' con un ligero toque MIA: todo son quilates en una obra polivalente que respira personalidad por todos lados, y que bien merece figurar en los mejores discos de 2021. [Asistencia de Quim]
30 - CORREA ÁRABE - A MEDIDA QUE LOS DÍAS SE OSCURECEN
Arab Strap está de vuelta con un nuevo álbum después de 16 años, porque con menos tiempo no habrían podido tomar el impulso suficiente para lanzar una bofetada como la primera: 'The Turning of Our Bones' es un abridor con sabor a choque frontal; cajas de ritmos y miseria para levantar una conspiración de dinero mortuorio. La voz de Aidan Moffat suena más seca que nunca, gravedad y madurez acorde con los tiempos, y modula a lo largo de estas 11 canciones entre baladas deconstruidas, arpegios melancólicos y riffs opresivos, dándose un baño de oscuridad mientras observa a Leonard Cohen por cierto. rabillo de un ojo y Jason Williamson de Sleaford Mods en el otro. 'As Days Get Dark' es una crónica sombría de una precisión descriptiva abrumadora que hace honor a la máxima expresión de 'Tears on Tour': “¿Cómo llamarías lo opuesto a un comediante? Sea lo que sea, eso es lo que quería ser ”. [Pau Ortiz]
29 - AMYL Y LOS SNIFFERS - COMODIDAD PARA MÍ
Australia va a su pelota. Mientras el viejo continente y América dan por muerto al punk rock, levantando la maldita música urbana como el nuevo centro creativo y político relevante, desde Melbourne detonamos una bomba nuclear llamada Amy Taylor que con su banda, Amyl and The Sniffers, facturó uno de los récords del año con ingredientes básicos de recetarios. Una guitarra atronadora, un bajo muy grueso, una batería de ametralladora y el carisma, la personalidad, la presencia, la letra y la ejecución de una frontwoman que se sabe tan poderosa como ella, que se inspira en los clásicos y al mismo tiempo se sitúa en un regalo con voz propia. No hay secreto en lo que hacen, sino en cómo se escapa de las métricas y se explica por el talento, la inmediatez y la sencillez de un disco que entrega lo prometido y suma un punto de madurez que los eleva por encima del resto. Canciones como 'Guided by Angels' o 'Hertz' son himnos instantáneos que pueden destruir un club tanto como poner patas arriba un estadio. [Nil Rubió]
«A través de una tanda de diez canciones que conectan la mística y espiritualidad de la tradición gallega con el oyente, el productor consolida ese papel de mediador de lo tradicional que se le ha otorgado a lo largo del tiempo, estableciendo puentes entre generaciones y acercando a las personas. un público joven, una herencia cultural que nunca debe morir. "[Fran González] Crítica de« Embruxo ».
Se podría pensar que la fórmula de Jason Williamson y Andrew Fearn, al menos en su propuesta, podría tener una vida limitada, al menos en el ámbito creativo. Nada más lejos de la verdad: su undécimo disco los lleva más lejos que nunca sin dejar de sonar como ellos mismos. Williamson sigue escupiendo letras con mal genio, enfado y destellos poéticos de la marca house con el dedo clavado en la llaga del comentario social y político, el trauma personal y ese terreno entre el punk, el hip-hop y la palabra hablada tanto suyo, pero él Encuentra los acomodo en bases menos toscas, que Fearn pone a tu disposición en abundancia y variedad, sin reparos en evolucionar dentro de una misma temática. Con una primera mitad del disco a pie cambiada, nos presentan un disco diferente para ir encontrando sus señas de identidad en el camino, abriéndose incluso a colaboraciones externas, como las de Amy Taylor (Amyl y The Sniffers) y Billy Nomates, que with Mork n Mindy nos presenta una de las canciones del año. [Nil Rubió]
«Los bíceps no son más que un intermediario por el que pasa el torrente del alma de un público que añora lo que llegó a dar por hecho: música para bailar y en la que exorcizar el malestar y la alienación que produce el mundo. En este caso, Ferguson y McBriar lo hacen con revoluciones algo bajas, que crecen con el nervio rítmico de la segunda mitad de su disco. Sin embargo, han prometido que la versión en vivo será mucho más intensa y sobrecargada que esta, ¿podemos escucharla pronto? Probablemente no. ”[Miguel Pardo] Crítica de« Islas ».
25 - EMMA RUTH RUNDLE - MOTOR DEL INFIERNO
Emma Ruth Rundle es una artista que no deja de sorprendernos: tiene una gama de sonidos que cambian con el tiempo, todos ellos adornados por su reconocible sello personal, desde sus inicios con "Marriages" y "Red Sparrowes" o su fantásticas colaboraciones con Thou y Chelsea Wolfe, que llevan su magnífica voz a parejas más fuertes. Otra faceta que logra tocar es la que creó en su maravilloso "On Dark Horses", un disco que poco tiene que ver con este "Engine of Hell". En este último trabajo escuchamos a una Emma desnuda solo acompañada de su guitarra acústica o su piano muy minimalista y que nos encanta con una emoción oscura, triste y sombría, toda ella abanderada por ese sonido gótico profundamente conmovedor. [Sebas Rosas]
“Enfrentarnos a un disco que nos obliga a ejercitar la abstracción y que nos pide depurar nuestros prejuicios es siempre un desafío atractivo. A priori, la fórmula de una actriz adolescente convertida en cantante pop con una balada viral en TikTok podría provocar un descrédito inmediato por parte del sector más tendencioso. Pero una vez más, el talento y la precocidad artística desafían nuestras aprehensiones preconcebidas y nos obligan a escuchar antes de jurar. "SOUR" (Polydor, 2021) es una de esas lecciones de cómo las generaciones futuras están totalmente desprovistas de etiquetas y cargas que puedan interponerse en su radar creativo. Como otros artistas novatos y neófitos de su quinta que ya han surgido recientemente, Olivia Rodrigo ha venido a dejar patente su versatilidad y su capacidad para saltar de un género a otro con una coherencia y un éxito sorprendentes. "[Fran González] Crítica de« Sour ».
«Los gigantes de la mirada negra giran un poco más la tuerca de su sonido para ahondar en movimientos“ relacionados ”como shoegaze y dream pop. La unión del black metal con el dream pop solo podría haber sido creada por unos pocos Deafheaven que continúan elevando el listón tan alto que nadie es capaz de emularlos. "Infinite Granite" es un álbum hermoso, delicado y denso. Con atmósferas tan envolventes como abrumadoras. Un disco que rezuma calidad a raudales. »[Beto Lagarda]
22 - TYLER EL CREADOR - LLAMAME SI SE PERDER
«Pero al final del día lo que queda es“ LLAME SI SE PERDERÁ ”. El álbum de Tyler, The Creator que se parece más a Tyler, The Creator porque suena a todos los Tyler, The Creator conocidos hasta la fecha. Y lo cierto es que logra hacerlo con cierta soltura y un gusto exquisito por los samples sorprendentes, toscos y sintetizadores frescos y en ocasiones casi minimalistas. Tyler, que tiene un gran gusto por encontrar nuevos discos, singles y grupos desconocidos u olvidados -como demostró en múltiples entrevistas- nos muestra algo muy interesante con su nuevo disco, algo que también lo acerca a Kanye West: tal vez su discurso se desvanezca a medida que Los discos avanzan (algo por otro lado inevitable en el hip hop), pero seguro que sigo descubriendo nuevas formas de contar esas mismas cosas de otra forma: que es básicamente uno de los pilares que permite el éxito o el fracaso de un disco pop. . »[Miguel Pardo]. Revisión de "Llámame si te pierdes".
21 - MOGWAI - A MEDIDA QUE EL AMOR CONTINÚA
En "As the Love Continues" (y desde "Every Country's Sun"), Mogwai han confirmado que de momento aparcan el puñetazo puro en favor de una dimensión y sensibilidad más cinematográfica, como ocurre en la propia 'Fuck Off Money' o 'Dry The Fantasy', otro punto culminante del disco en forma de pieza progresiva que crece y crece acumulando capas de sonido alrededor de un punteo sintetizado, recursos que, una vez más, solo nutren un sustrato conocido y fiable.
La banda continúa manejando el chup-chup, la progresión a fuego lento y la dinámica de juego a la perfección y cada vez que aparecen lo hacen con nuevas herramientas y matices. Su consistencia y riqueza sonora hacen de "As the Love Continues" un álbum sólido y accesible, pero el décimo álbum de Mogwai no quita los contratiempos. "[Toni Delgado] Reseña de« Como continúa el amor ».
«No buscan vivir de viejos logros que ya se han producido y superan con creces sus propias expectativas esperadas. Sirva este "fin de semana azul" como una demostración legítima de cómo Ellie y los chicos han evolucionado personal y musicalmente, sacando a la superficie algunos de los momentos más vulnerables y desafiantes que los británicos han experimentado en los últimos años, y que ahora retratan con gracia. para tu audiencia. "[Fran González] Crítica de« Blue Weekend ».
19 - C TANGANA - EL MADRILEÑO
«Con cierto oportunismo,“ El Madrileño ”detecta que el español es actualmente la primera lengua del pop, pero no lo refleja ni lo aprovecha en especial; más bien, se limita a presentar un popurrí, un collage de grandes -y viejos- nombres que en muchos casos no parecen tener mucho que decir por sí mismos sobre la realidad actual. Así El Madrileño, Pucho o Antón dan un primer paso: sustituye la “P” por “Popularidad” por la “P” por “Prestigio”. El prestigio lo da hacer un proyecto ambicioso, sin demasiados prejuicios y con cierto atrevimiento. Si queremos que cosas como la “música urbana” acaben o al menos avancen, tenemos que permitir y animar a los músicos a correr riesgos y equivocarse. “El Madrileño” es efectivamente un disco con muchas cosas por mejorar; pero desearía que hubiera muchos más álbumes que reprodujeran su espíritu y élan vital. "[Miguel Pardo] Crítica de« El Madrileño ». Crítica de« El Madrileño ».
«« El mono ve y el mono ejecuta, como yo delante de ti ». No es fácil imaginar a Charlie Steen, líder de la vergüenza, subiendo al escenario como un ser inerte, pero las apariencias engañan. De hecho es muy difícil. Pero, por supuesto, esta cita extraída de "Drunk Tank Pink" (Dead Oceans, 2021), segundo álbum de los británicos, no es aleatoria. Para un chico de 22 años, que confiesa escribir pensando en cuándo va a cantar en vivo, que ha acumulado 172 shows en los dos últimos años y que ha experimentado mediatización hiperbólica en un período de tiempo relativamente corto, es normal. que acaba pasando factura; especialmente, si un virus llega a terminar el trabajo. Lo que este álbum, producido por James Ford (quien produjo algunas obras de Arctic Monkeys y Klaxons), es tan evidente como inextricable: algo así como un reinicio mental y mecánico. Porque siendo el mono que tiene cuerda infinita para golpear los platillos, aquí está para ir de rama en rama. »[Màrius Riba] Reseña de" Drunk Tank Pink ".
17 - RUFUS T FIREFLY - EL LARGO MAÑANA
Comenzar por describir un trabajo como "fuera de lo común" es común cuando hablamos de Rufus T. Firefly. Recuerdo las palabras de Víctor Cabezuelo hace unos tres años, cuando cerraba el escenario Magnolia-Loto, anunciando que cuando volvieran con material nuevo sería algo completamente diferente. Pues no ha sido del todo así, salvo la incorporación de los bongos de Juan Feo (de la banda del Club del Río), que le dan al sonido de Rufus una sensación nada despreciable de estar dentro de un disco de Marvin Gaye. Esa frescura neo-soul suaviza las curvas, pero también hace crecer canciones llenas de letras espectaculares, transiciones, salidas y desarrollos instrumentales que dejan en el campo a la mayoría de lanzamientos globales de este año. Cabe destacar también el esfuerzo de la banda por reivindicar la profesión de músico dada la inmediatez de los canales de retransmisión actuales y la injusta redistribución de beneficios. Si bien fue publicado en plataformas digitales el 26 de noviembre, el grupo comenzó a reproducir el disco en vivo, de principio a fin, y a vender la versión en formatos físicos en su web y conciertos, agotando las entradas y el stock prácticamente el mismo día que salió a la venta. [Dani Vega] Reseña de «El Largo Mañana».
16 - RACHIKA NAYAR - NUESTRAS MANOS CONTRA EL POLVO
Imagina un lienzo de sonidos como este: rock matemático, shoegaze, post rock, emo del medio oeste, EDM y afinaciones abiertas, todo en uno de sesera digital y corazón ambiental puro. Este "Frankenstein" en cuestión lleva el nombre de "Our Hands Against The Dusk", el álbum debut de una productora de Brooklyn, Rachika Nayar, que sabe tocar con delay como nadie en una mezcla musical iluminada por numerosas luces de neón. ". [Pablo Porcar]« Promesas »de Rachika Nayar.
15 - ¡DIOS TE PASA! EMPERADOR NEGRO - G_DS PEE ... ¡AL FIN DEL ESTADO!
Su mejor trabajo en años también aparece en nuestra lista de los mejores discos de 2021. Un nivel que no han alcanzado desde aquel «¡Aleluya! ¡No se doble! ¡Ascender! »De 2012. Una rabia instrumental propia de las protestas callejeras y un furioso lamento contra el capitalismo. A veces solo se necesita el empujón de un colectivo de hippies canadienses para terminar de prenderle fuego a todo. Una chispa ambiental que prende fuego a la sociedad y te hace temblar el pecho al arder. [Sergi Cuxart]
Nuevo trabajo de Nick Cave con Warren Ellis —integrante indisoluble de Bad Seeds desde 1994—, una simbiosis que ha producido una prolífica producción de música cinematográfica, y que por primera vez deja la senda del séptimo arte para realizar un trabajo conjunto firmado por los dos sin pretender acompañar narrativas en la pantalla. Un disco que, como describen ambos protagonistas en el texto de presentación, cayó del cielo, construyendo las canciones prácticamente en un par de días.
El disco, salvo los esquivos retoques con la electrónica de la primera canción, nos ofrece los registros habituales del australiano. Formada prácticamente por baladas al más puro estilo crooner, la letra habla de paisajes abstractos, del sufrimiento de vivir en este mundo y de la importancia de amar a los demás; y también hay claras referencias a la introspección obligada por el encierro al que nos empujó la reciente crisis de salud. Una introspección que, por otro lado, también pone la mira en lo que quedó fuera durante ese parón global y no fue posible lograrlo.
Cave logra en "Carnage" una especie de escapismo, una redención espiritual que se apoya en bases frías y espectrales compuestas por coros, pianos solemnes y esos arreglos mínimos pero transformadores que llevan la innegable personalidad de Ellis a la pluma de su amigo. [Dani Vega]
«Sin duda, temas que conectan directamente con lo que podemos encontrar en 'Jubilee', porque es en este tercer disco que tras cuatro años Michelle Zauner ha encontrado su voz más sincera y ha ampliado al máximo sus habilidades como compositora. A través de un disco que actúa como bálsamo, percibimos un salto que le permite cerrar capítulos personales. 'Jubilee' es un viaje hacia el autodescubrimiento que muestra las diferentes direcciones de esperanza y posibilidad en las que remar después de una tragedia. "[Fran González] Crítica de« Jubileo ».
12 - PUNTOS FLOTANTES Y LIJADORAS PHAROAH - PROMESAS
En medio de este curso las estrellas se alinearon y tuvo lugar una de las colaboraciones más sorprendentes de los últimos años. A uno de los músicos de jazz más importantes de los últimos años (Pharoah Sanders) se le unieron uno de los productores más reputados y sofisticados de la actualidad (Floating Points) y la London Orchestra. Este tipo de articulaciones tienden a salir mal, pero no fue así. "Promises" es un álbum bastante minimalista. Sobre una base de acordes sutiles y repetitivos, casi como un mantra, el saxofón del Pharoah Sanders se despliega, fluido y elocuente. De esta manera, completan un trabajo contemplativo y profundo, lleno de matices y con un tono serio e inspirador. Pocas veces escuchamos hoy discos que exigen y premian por igual al oyente: “Promises” pide que te sientes, que ofrezcas escuchas repetidas; pero a cambio de él emergen momentos constantes y brillantes. [Miguel Pardo]
«Con el debut del midi negro especulamos con la idea de que este sonido heterogéneo pero ethos homogéneo podría ser una nueva forma de identificación entre la generación Z y la música de guitarra. "Por primera vez" y "Campo verde brillante" confirman nuestras sospechas; la actitud salvaje, desquiciada y nerd de unos chicos que se encuentran en el sur de Londres son de hecho ya un escenario simbólico, una medusa de múltiples cabezas con bastante horizontalidad… lo que hace más evidente las debilidades de cada uno. ¿Qué son los calamares? Sus referencias son demasiado obvias (Neu! O This Heat por ejemplo son dos que ellos mismos han admitido) y cuando presumen de recibir el catálogo experimental, sólo lo hacen para reproducir algunos movimientos ya manidos (drone, efectos mántricos de Cage). ¡Pero que no cunda el pánico! Si Squid recibe tal catalogación es también por la forma en que incorporan sus influencias (literatura, giros dentro de las propias canciones), en la que desbordan las estructuras mismas de las canciones, alargándolas inmensamente, evitando estribillos ... Hasta convertir su primer trabajo en una corriente difusa de conciencia. "[Miguel Pardo] Reseña de« Campo verde brillante ».
10 - LITTLE SIMZ - A VECES PODRÍA SER INTROVERTIDO
La coronación definitiva de Little Simz. Una introversión que la ha elevado a donde realmente se merece estar desde hace un tiempo. El podio supremo del hip hop británico e internacional. Rapeo combativo adornado con arreglos orquestales y partes más melódicas que pueden hacer que te desvíes al principio pero que atraviesen sus compases y su actitud guerrera. [Sergi Cuxart]
Prueba un experimento: toma las voces etéreas de Beach House, sumérgelas en la bruma de los retrasos de Mogwai 'Autorock' y envuelve la conformación con un filtro de escala de grises Jesu. Agitando un poco la mezcla, verán como sale de la nada "Luminol", el último trabajo de Midwife con el que Madeline Johnston acaba de definir la propuesta que empezó a acuñar con "Like Author, Like Daughter" (2017). Letras sobre empoderamiento, fragilidad y sensaciones corporales saben encontrar intersecciones interesantes en una obra curiosa que une post rock, dream pop y algo de shoegaze como nadie. Melodías para soñar, y también para tocar la estratosfera. [Pablo Porcar]
Más de uno diría que este disco viene a enmendar el que liaron el año pasado con Ultramono, aunque la paliza casi unánime de la crítica acabó cubriendo buenas canciones como 'A Hymn', 'Reigns' o 'Grounds'. Puede haber discrepancias en ese sentido, pero creo que hay muy pocas cuando se trata de afirmar que CRAWLER ve a Joy como un acto de resistencia tuyo para ti como el gran álbum de IDLES hasta la fecha. Eso sí, no atesora tantos singles, pero es el trabajo que mejor funciona como bloque, y donde se evidencia un gran salto evolutivo a nivel de producción y dando un paso más como músicos. La clave del sonido radica en la sonoridad que brinda el productor Kenny Beats, quien compartió trabajo en el estudio con el guitarrista del grupo, Mark Bower, pero transfiriendo esa explicidad para resaltar un fondo oscuro e industrial. El resultado final funciona a todos los niveles, a pesar de que en ocasiones nos devuelve a viejos discos o pasajes desconcertantes, y posiciona a Bristol como el gran grupo post-punk del panorama mundial; combinando el sorprendente nuevo sonido con sus ya famosos postulados contra la masculinidad tóxica y en defensa de la clase trabajadora. [Dani Vega]
7 - LINGUA IGNOTA - SINNER PREPÁRESE
«Otra de las gratas sorpresas del año. El proyecto de Kristin Hayter ya había demostrado con "CALIGULA" (2019) de lo que era capaz: un arrollador torbellino noir que no dejaba nada en pie. La cruda realidad de sus letras basadas en vivencias personales hizo de Lingua Ignota un proyecto que fue más que un one-shot. En cambio, aquí, en su tercer álbum de larga duración, Kristin se sumerge en el legado católico de la Pensilvania rural, convirtiéndose en la narradora del peso de la religión en nuestras vidas. La experiencia se convierte en algo aterrador: "SINNER GET READY" está inteligentemente construido con sonidos monótonos con muchas combinaciones de percusión experimentales y una fuerte presencia de tonalidades a lo largo de las nueve pistas de la obra. La sensación de falta de aire está presente en todo el disco, con un protagonismo vocal abrumador, presentando la obra como un "Sinner Get Ready" que bien podría enmarcarse como una historia de terror que aborde todos los traumas que nos ha dejado la música. Catolicismo, nacido de la emocionalidad y no de la racionalidad. "[Sebas Rosas]
6 - LA GUERRA CONTRA LAS DROGAS - NO VIVO AQUÍ MÁS
La banda de Filadelfia regresa con un quinto largometraje que no aporta nada nuevo, lo que no significa, sin embargo, una mala noticia. La infalible fórmula del sonido de Adam Granduciel y su familia, quienes ya lograron ganar el Grammy al Mejor Álbum de Rock con su "A Deeper Understanding" de 2017, simplemente ha necesitado pulir algunos detalles, y confirman que hay espacio en un panorama tan ecléctico como el actual para un grupo conectado directamente con un pasado glorioso representado por Simple Minds, Bruce Springsteen o Tom Petty. "I Don't Live Anymore" funciona como una extensión de los trabajos anteriores y nos devuelve ese sonido atemporal, lineal y perfecto del rock melódico y canciones cargadas de melancolía y tránsito existencial. Un disco que, si tiene algo diferente, es que ha sido concebido y funciona mucho mejor a nivel narrativo, pero que aún nos deja perlas que pueden funcionar perfectamente solos como 'Living Proof', 'Change' o 'Victim'. Imprescindible este año en cualquier cartel. [Dani Vega]
5 - BOLSOS MARIA ARNAL I MARCEL - CLAMOR
«En 1974 Jacques Derrida publicó uno de sus libros más complejos, célebres y difíciles de traducir: 'Glas'. Esta expresión en francés, que tiene varios significados, fue utilizada por Derrida para referirse (o al menos así se tradujo al español) a la palabra "Clamor", o "Ring of bells to a dead man" (Cuando la muerte de un vecino en un pueblo). En el segundo largometraje de María Arnal i Marcel Bagés podemos escuchar dos veces el repique de una campana: al final del apocalíptico 'Meteorit Ferit' y como último sonido, después de 'Alborada'. ¿A quién o qué honra el “Clamor” de las campanas, el lamento de este disco? El ser humano tal como lo conciben el capitalismo y la cultura occidentales; por así decirlo. El grito es externo, un lamento, la muerte de la especie humana… Pero también es interno; es la muerte del individuo concebido como un solo centro: como conciencia subjetiva personal. "[Miguel Pardo] Crítica de« CLAMOR ».
«No parece trivial que 'Mystery' sea el tema de apertura de 'Glow On'. Esta bofetada temática muestra sin artificio el sonido que se despliega en esta obra. Responsable del mismo: Mike Elizondo. “True story”: ese productor que estuvo a cargo de coescribir “The Real Slim Shady”, y que ha estado a cargo de las obras de Twenty One Pilots (“Heathen”), Walk The Moon (“What If Nothing”) y Muse (“Teoría de la simulación”) ha sido la persona que ha puesto la batuta de “alta fidelidad” que eleva el LP. La aspereza de épocas pasadas ha dado paso a un néctar sónico más nítido, definido y brillante que encaja a la perfección con el cambio de tendencia experimentado por Turnstile en los últimos tiempos. A César lo que es de César: es cierto que quizás el disco decae un poco en el segundo tercio (segmento 'Fly Again' - 'Dance-Off'), pero hay varios “insumos” que indican que este es uno de los trabajos más sabrosos, refrescantes y también necesarios de guitarras feroces de lo que va de 2021. Surcando la ola de exageración bastante extrema, Turnstile ha demostrado que hay vida mucho más allá de las cuatro paredes de testosterona que componen el hardcore clásico. Rompiendo moldes, hoy descubrimos gracias a "Glow On" que las líneas de estallido de RAT también pueden converger con la arena blanquecina de Tulum. Entonces la pregunta es inevitable: ¿Qué viene después, Turnstile? »[Pablo Porcar]. Revisión de «Torniquete».
“Sea como fuere, la impresión es que el midi negro, como promete su ethos, está tratando de ir más allá de lo que se hizo con“ Cavalcade ”, y en esa lucha absurda contra los límites de su propia propuesta (que comienza y termina con el álbum), encuentran una narrativa verdaderamente insólita: la narración de un final que no llega, pero que de alguna manera es deseado; y eso sucede como una repetición incesante. Por eso en algunos medios se les acusa de sonar repetitivos en esta obra, porque "Cavalcade" es un álbum de reiteraciones e impresiones siniestras: como una rutina repetida hasta la locura, como el horror que siente el testigo de un paulatino declive. Y por eso mismo 'Slow' y 'Ascending Forth' son las canciones que mejor sintetizan la obra. El cierre es una repetición dramática que roza la histeria y la euforia en igual medida, al tiempo que declara de manera propagandística que todos quieren la ascensión (progresiva, hacia adelante); como un alma que migra, como un cuerpo que destruye a otro, como un alzamiento… ¿Y por qué decir más? El disco, que lleva por nombre “Cabalgada”, podría sin mucha imaginación referirse a los jinetes del apocalipsis, que en su lento pero perseverante viaje, se dedican a arrasarlo todo. ¿Y si el final no fuera inmediato, sino gradual y constante? Los midi negros creen esto en “Cavalcade” y su propuesta es una de las más idiosincrásicas de la música actual. »[Miguel Pardo] Crítica de« Cabalgata ».
2 - CASSANDRA JENKINS - UNA VISIÓN GENERAL DE LA NATURALEZA FENOMENAL
El segundo álbum de Cassandra Jenkins ocurre en un instante. Naturalmente hablamos de la fugacidad de la vida, de esos momentos sin más a los que el neoyorquino presta toda la atención del mundo en "Un vistazo a la naturaleza fenomenal". Ese musical boreal - patente en la portada - surge en primera instancia con la muerte de David Berman, con quien Jenkins se iba a embarcar en la gira Purple Mountains antes de su suicidio. Surge entonces una nueva energía, la que da forma a un disco receptivo y abierto al diálogo como pocos. Lo mundano e insignificante aquí lo es todo. Las conversaciones con desconocidos, como la que se narra en 'Disco Duro' con un guardia de seguridad, son parte de su esencia; Sea un espectador de la naturaleza de las cosas. Por extensión, también de su belleza.
Desde un estado contemplativo, que traslada con los mismos resultados impresionantes al plano estético, Jenkins apela a la interacción humana con el canto y la recitación de forma circunstancial. El suyo es un folk embriagador lleno de matices, como cualquier escena cotidiana, solo que, con él, Jenkins nos hace percibirlos todos. Así reconstruimos un sentimiento que parte de la soledad y el aislamiento ('Noruega ambigua'), pasa por la reflexión ('Crosshairs') y se reconforta, sin ser demasiado explícito, con la aceptación y el aprecio de la vida ('Hard Drive'). Mención especial a esta última canción, citada por tercera vez en esta revista, que está imbuida del espíritu de "An Overview on Phenomenal Nature"; demasiado hermoso para ser real. Parafraseando, "cerramos los ojos, contamos hasta tres", pero nada ha cambiado. Aunque parezca irreal, este disco no es un sueño. [Màrius Riba]
1 - PAÍS NEGRO, NUEVA CARRETERA - POR PRIMERA VEZ
Casi un año después de su debut, se sigue cumpliendo la teoría de que Black Country, New Road es un grupo musical cambiante en el sentido de que hoy escuchamos a una banda que en realidad es otra banda. No es lo destacable de "For The First Time", pero es una condición primordial de la banda, que se entiende como un auténtico derroche de creatividad y talento, y que vale como punto de partida para enfrentarlos: Black Country. New Road no se parece a ellos ni el próximo mes. Singular, anárquico, instrumental, caótico e improvisado. Son rasgos que podrían definir el debut de los ingleses, a priori contrarios a la virtud, pero ahí es donde surge a lo grande cuando cierras con 'Opus', una canción que podría colarse en una boda de Crimea. Como un septeto variado y complementado (tienen un formato que puede recordar a Arcade Fire), la dimensión de su grandeza es comparable a la lluvia de ideas que todos derraman y resuelven sobre cada tema. No hay predicción posible más allá de que "puedes salirte con la tuya". En sus largas estructuras no hay patrones, ni estribillos y, en el fondo, ningún género como tal. Isaac canta con mucha gravedad y la banda se toma su tiempo (al menos 4 minutos por canción) para exponer ese caos bien entendido que lo acompaña y hacerlo convivir en seis temas que poco o nada tienen que ver entre sí.
Es curioso que después de esta primera vez, un largo debut a su manera, la idea de imprevisibilidad salga aún más reforzada. Los conocemos más, pero los imaginamos menos. Con este disco le han dado un valor inexplorado a la expectativa. En su descarada invitación a experimentar y dejarse llevar, "For the First Time" conecta desde todos los ángulos que la música como arte puede tener. [Màrius Riba] Reseña de "Por primera vez".
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